Известные личности в мире моды
В этом информационном блоге мы будем рассказывать об известных людях из мира моды. О сильных личностях которые добились успеха, о том как они достигали успеха и как не боялись рисковать.
"Я не верю в силу обстоятельств. В этом мире добивается успеха только тот, кто ищет нужных ему условий и, если не находит, создает их сам."
Джордж Бернард Шоу
ГАБРИЭЛЬ ШАНЕЛЬ
Реформа Поля Пуаре , исподволь высвобождавшая женщину из – под гнета многослойных одежд и условностей , стала необратимой во многом благодаря деятельности Габриэль Шанель, самого дальновидного из модельеров 20 столетия.
В годы триумфа ее стали называть Мадмуазель, уравняв с принцессами крови. Дочь незадачливого провинциального торговца , личность яркая, сильная, противоречивая, она всю жизнь и всеми доступными ей средствами боролась за эмансипацию, право выбора и свободу – свободу мысли , чувства, движения.
Стиль Шанель можно назвать истинно классическим. Каждую модель она наделяла тремя основными качествами – функциональностью, долговечностью, красотой « без затей». Ее вещи хорошо смотрятся не на вешалках, не на манекенах в витрине, а на обычных женщинах, которым хочется выглядеть элегантно и в десять часов утра на работе , и в десять часов вечера в театре или ресторане. Шанель принципиально одевала не только идеально сложенных, прекрасных , юных, а женщин любого возраста , красивых от природы и не очень. Главное, чтобы они были уверенными в себе, энергичными, всегда подтянутыми, в полном смысле слова современными. Такие дамы смело водили автомобиль, играли в теннис, плавали и загорали, слушали джаз. Многие из них учились в университетах , служили в конторах, некоторые снимались в кино или просто тратили деньги « новых богачей». Великая Мадмуазель и ее творчество были для них наилучшим примером .
Вначале Шанель предлагала клиенткам то, что охотно носила сама,- прямые юбки с карманами, туники длиной
три четверти, вязаные свитеры и кардиганы, полумужские костюмы из твида, пляжные пижамы, широкие брюки для загородных прогулок.
В
В 1921 году , Мадмуазель выпустила собственную и очень удачную , парфюмерную линию. Ее дебютом стала магическая формула «Chanel №5» со сложным «фантазийным» запахом .
Бурная деятельность самого знаменитого модельера – женщины прервалась только в
Возвращение Коко Шанель на подиум было неожиданным и нелегким – после войны заявило о себе новое поколение модельеров , бесспорным лидером которого стал Кристиан Диор.
И вновь в
После себя Габриэль Шанель оставила настоящую империю моды: ателье, пошивочные мастерские, отделы аксессуаров и парфюмерии, магазины и отделения , занимающиеся продажами.
А главное , она оставила стиль Шанель!
Chintamani Alchemistry
Интервью с автором бренда .
Давно назрела необходимость узнть всё о бренде «Chintamani Alchemistry», т.к. эта одежда пользуется огромной популярностью не только в России, но и во всем мире. Сегодня мы берем интервью у дизайнера и автора бренда «Чинтамани» Полины Филипповой. Итак, начинаем.
Расскажи о себе, где ты родилась, кем мечтала стать в юности?
Я родилась в Москве. Как и все, что с нами происходит – это было лучшее стечение обстоятельств. Ведь благодаря своей семье и месту где я родилась, у меня была возможность получить сразу огромное количество опыта, связанного с реализацией в большом городе. И не мечтать о том, что когда-нибудь доеду до столицы и попробую стать успешной. Я получила хорошее образование, чем очень благодарна своим родителям. Все детство провела в театре – лет 7, наверное, репетировала и играла у одного известного художественного руководителя. Затем работала в СМИ и большой мировой корпорации.
Как появилось название бренда Chintamani Alchemistry?
Название проекта пришло ко мне лет 5 назад… От очень близкого человека: Каруны Рам, основателя Атмарама Йоги. От него я впервые услышала слово Чинтамани — он так описывал один Священный город в Индии. В то время смысл и звучание этого слова встрепенули меня невероятно. Мне отозвалось все до последнего звука и значения. Позже, когда проект расширялся и становился более известным, я узнала, что это название достаточно популярно и часто используется в разных странах. Тогда к моей компании прибавилось слово Алхимия и получилось Chintamani Alchemistry. Сейчас мы завершаем процедуру регистрации международной торговой марки с этим именем. Слово Чинтамани стало для меня знаковым. Ведь оно несет в себе потрясающие ключи внутренней и внешней трансформации и истиной драгоценности. Став Полиной Чинтамани, я начала очень сильно меняться. Этот проект и по сей день меня постоянно учит реализовывать материю через энергию и наоборот. Для меня важно чем наполнены мои действия по созданию одежды Чинтамани и я знаю, что люди чувствуют эти состояния, когда соприкасаются с тем, что я стараюсь произвести на свет. В этом моя алхимия.
Традиционный вопрос, как ты пришла к своему творчеству, что этому поспособствовало?
Скажу честно, радости от успешной социальной реализации было мало. То самое чувство, когда достигаешь того, что считается успешным и благополучным, а твой взгляд устремлен куда-то за горизонт. И есть необходимость по-настоящему расправить крылья, но чувствуется клетка. Которая не дает это сделать. Был в этом всем сладком образе жизни некий горьковатый привкус. Мне хотелось не усластить его, а сделать некое глобальное действие, которое изменит путь коллекционирования пунктов формальной успешности в путь счастливого, настоящего и живого человека. Ну, и я увольняюсь отовсюду, прерываю общение со сложившимся кругом общения, перечу советам родителей и друзей и… уезжаю в Индию. Сказать, что это было очень тяжело – ничего не сказать. Это было и страшно, и жутко, и очень волнительно. Поддерживал только тихий, еле слышный голос внутри: «Ты все делаешь правильно». В Индию я ехала не чего-то обретать, а беспощадно терять все, что у меня было. Я не знала что, буду там делать и кем стану. Знала, что хочу жить свою жизнь, а не судьбу ячейки общества. Что хочу расправить крылья. Решение уехать стало первым шагом на пути к творчеству и к тому, что я делаю сейчас.
Есть ли у тебя идеалы, кто это и чем они тебе нравятся?
Идеалов нет. Для меня это вообще запрещенка – смотреть на то, что делают другие. Ведь это прямая дорога прожить не свою жизнь, а жизнь другого человека. Ну, есть, конечно, базовые идеалы – благородство, честность и искренность. Но и в таких фундаментальных, вроде бы, общечеловеческих ценностях, можно заблудиться и подменить понятия. Я сама неоднократно ошибалась, полагая глупость искренностью, а беспардонность – честность. Свои идеалы и свои качества нужно создавать самим, и самим находить баланс в своей чистоте и глубине проживания, — мое мнение.
Какие у тебя ближайшие планы?
Стараюсь оперировать не материальными планами, а состояниями, в которых хочется жить. У меня не было плана создавать проект с одеждой. И ни один из магазинов не открывался потому, что на это был мой план. Название моего проекта – Чинтамани. Это философский камень, алхимия. Прямая связь между ментальным состоянием и материальным окружением. Как внутри, так и снаружи.
Чем чище и больше ты внутри – тем более творческое и приятное пространство ты получаешь снаружи. Такая ответственность нового уровня за свою жизнь. Так что моим планом может быть только находиться на своем пути. С мудростью и радостью и благодарностью принимать то, что снаружи и трансформировать то, что внутри. Многие знают молитву Оптинских старцев. Вот она и отображает мои планы.
Какие бы советы ты дала начинающим дизайнерам, художникам?
Идти по своему пути и не смотреть по сторонам. Находить свой неисчерпаемый источник вдохновения не в людях – ведь все мы не без изъяна. А, наверное, в природе. В Боге – как видите его вы. В вечных непреходящих ценностях.
Помнить о своем предназначении. О тантре с миром – сколько отдашь, cтолько получишь. А если что-то не выходит – это тот самый прекрасный момент, когда мудрый учитель подошел очень близко, чтобы показать, где ты можешь стать лучше.
Танцевать, как будто никто не видит и слушать тонкий голос своего сердца. Самое сложное – это набрать высоту, необходимую для стремительного, свободного полета. Для этого нужно быть легким и сильным одновременно. И это возможно.
Полина, большое спасибо за такое замечательное интервью. Удачи тебе в развитии Chintamani Alchemistry и в реализации твоих планов.
РЕНЕ ЛАЛИК
Любая женщина, надевая украшение от Лалика, чувствовала себя причастной к волшебству. Жуки, рыбы, змеи - всё, то, от чего кисейные барышни когда-то теряли сознание, теперь превратилось в объект вожделения. И снова до обморока.
Красной нитью через все творчество Рене Лалика проходит стекло и горный хрусталь. Еще будучи ребенком, он переносил на бумагу всё, что хоть в какой-то степени зацепило его острый ум или чувственное сердце. Не по-детски реалистичные работы поражали современников. По словам самого мастера, ему не поддавались только облака. Он смотрел на них, понимал их природу, восхищался ими... А потом в его руки попало стекло. С тех пор желание удовлетворилось. Оказалось, что из хрусталя и стекла можно творить облака. Страсть к стеклу настолько захлестнула пылкую душу маэстро, что он заявил во всеуслышание, что больше не будет работать с драгоценными камнями, любовью к которым он и так никогда не отличался. Модницы рыдали и заламывали руки. Но мастер успокоил их, пообещав устроить что-то вроде прощального бала - презентовать целую коллекцию ювелирных изделий, в которой будет всё: от эмалей до бриллиантов.
Говорят, что самый искренний вариант лести - это подражание. Лалика начали копировать. Кто-то пытался слепо повторять его работы, кто-то вдохновлялся его гением и творил что-то совершенно новое и своё. Казалось бы, это предел, это пик славы. Но не тут-то было. Не таким человеком был Рене Лалик, работы которого в то время уже приобрели мировую известность. Вдоволь наигравшись парфюмерной посудой, маэстро купил небольшое стеклодувное производство и поставил дело на поток. Вы думаете, в тот момент в его жизни появились слова "штамповка" и "серийное производство"? Как бы не так! Под брэндом "Лалик" до сих пор производятся флаконы для духов, и даже сейчас они делаются вручную! То есть каждый из них по-своему уникален.Красота в изгнании
Русские аристократки-эмигрантки не придумали модельный бизнес. Он и до этого существовал в Англии. Но именно они стали эталоном красоты, изящества и вкуса. Они придали модельному бизнесу шарм и гламур. Ими восхищалась Франция. Вот только об этом как-то особо не любят вспоминать русофобы, которым так и хочется, чтобы образ русской женщины продолжал ассоциироваться с толстыми крестьянками и совковыми безвкусно одетыми колхозницами. Одного только примера русских аристократок-топ-моделей достаточно, чтобы развеять в пух и прах этот нелепый миф.
Благодаря представительницам русской эмиграции в мире радикально изменилось представление о манекенщицах и та роль, которую они играют в мире моды и в обществе в целом. До этого момента быть манекенщицей считалось занятием сомнительным, едва ли не неприличным. Первые школы моделей возникли в Англии и лишь потом - во Франции. При наборе в школу предпочтение отдавали девушкам-танцовщицам, умевшим красиво двигаться. В 30-е годы XX века профессия манекенщицы становится престижной, а лучшие модели - почти такими же известными, как кинозвезды. В то время в каждом Доме моды работали от трех до восьми постоянных манекенщиц. Во Франции особенно ценились русские эмигрантки-аристократки: они обладали прекрасной осанкой и умели с достоинством ходить. Ими восхищался весь Париж. Русские манекенщицы стали эталоном изящества и вкуса. Самой красивой женщиной Парижа и лучшей фотомоделью считалась Натали Лелонг, урождённая княжна Палей, дочь Великого Князя Павла Александровича. Ее портреты были главным украшением журнала Vogue.
Русские эмигрантки, блестящие светские красавицы и представительницы 
аристократических семей, которые вынуждены были зарабатывать на жизнь, стали первыми топ-моделями домов Ланвен, Шанель, Пуаре и др. Публика была поражена их элегантностью, рафинированностью, знанием языков и аристократизмом. Они подняли представление о манекенщицах на совершенно новую высоту и сделали роль модели очень значительной, каковой она и продолжает оставаться по сей день.
Книга Александра Васильева « Красота в изгнании» повествует о том времени, когда русские художники и артисты оказывали огромное воздействие на развитие мировой моды. Благодаря "Русским сезонам" Сергея Дягилева и творческой деятельности выходцев из России, Европа познакомилась с культурой великой страны, в моду вошли "русский стиль" в искусстве и русский тип красоты. Перед читателем предстанут "русские" Константинополь, Берлин, Харбин 1920-1930-х годов. И, конечно, судьбы и несравненные лица русских светских красавиц, которые стали знаменитыми манекенщицами в европейских домах моды.
ВАЛЕНТИНО
Валентино Гаравани прославился благодаря иранскому шаху. Решив вторично вступить в брак, шах хотел заказать платье для будущей жены в Италии. Однако все звезды итальянской моды запрашивали за туалет астрономические суммы. Агентам шаха посоветовали обратиться к молодому и талантливому дизайнеру, который еще не сделал себе имя и потому не столь требователен. Заказ получил Валентино. Кутюрье не страдал излишней скромностью и использовал свой шанс: оповестив всех журналистов о заказе шаха, он создал себе отличную рекламу.
Палата высокой моды
Термин «Haute Couture» ( «от-кутюр») в буквальном переводе с французского языка означает « высокое шитье»; в наши дни под ним понимают создание одежды самого высокого класса и обычно переводят как « высокая мода».
Центром от- кутюр является Париж, где находится Палата ( или Синдикат) высокой моды – Chambre Syndicale des couturies. Она определяет статус модельеров (члены Палаты, члены –корреспонденты, а также приглашенные члены, которые со временем могут быть приняты в Палату), занимаются организацией показов коллекций Домов высокой моды( в январе и июле), поддерживают связи с прессой и магазинами по всему миру.
Чтобы быть причисленным к Домам от- кутюр, надо соответствовать целому ряду строгих требований. Во – первых , все производство – центральное ателье, мастерские, магазины – должно находиться в Париже и , таким образом , подпадать под юрисдикцию французского Департамента промышленности. Дом обязан иметь не менее 15 служащих и представлять коллекции два раза в год: в каждом дефиле по 35 платьев для дня и для вечера. ( В 2001 году правила приема в Палату несколько упростились.)
В 2001 году в Синдикат входили следующие Дома: Balmain, Chanel, Christian Dior, Christian Lacroix, Emanuel Ungaro, Givenchy, Hanae Mori, Jean Louis Scherrer, Jean-Paul Gaultier, Lrcoanet Hemant, Louis Feraud, Thierry Mugler, Torrente, Yves Saint Laurent, Viktor & Rolf.
Дома, чьи штаб- квартиры находятся за пределами Парижа, являются членами- корреспондентами Палаты. Сегодня это Versace и Valentino. За пределами основного показа существует так называемое расписание delife off.
Количество Домов высокой моды меняется, но почти всегда держится около цифры 20.
Дом от-кутюр получает прибыль свыше миллиарда долларов ежегодно, и его штат составляет порядка 5 тыс. человек, в том числе 2тыс. швей. Как правило, сотрудники имеют узкую специализацию: кто- то из них работает с перьями, кто – то с вышивкой , кто-то с пуговицами. До Второй мировой войны в индустрии от-кутюр было занято 35 тыс. человек.
Платья от – кутюр выполняются почти целиком вручную и только в одном экземпляре. Каждая модель требует обычно от 100 до 400 часов работы. Выбранные на дефиле костюм или платье являются лишь образцом, а для клиента шьется новое, идеально подходящее к фигуре ( проводят не менее трех примерок). Поэтому цена платья от- кутюр весьма высока – от 26 тыс. до 100 тыс. долларов, костюма -от 16 тыс. долларов, а вечернего туалета- от 60 тыс. долларов.
Сегодня одежду от – кутюр заказывают в среднем 2000 женщин, а число постоянных клиенток Домов высокой моды и того меньше – около 200.
Часто дизайнеры дают модели от – кутюр напрокат звездам кино или другим известным личностям – просто в целях рекламы. В золотые же годы высокой моды – после Второй мировой войны - примерно 15 тыс. женщин могли позволить себе носить платья, сшитые лучшими мастерами Парижа. А такие известные дамы , как герцогиня Виндзорская или Глория Гинесс, заказывали для своего гардероба целые коллекции.
Сегодня помимо одежды жизнь Домов от – кутюр в основном поддерживается сложной индустрией производства парфюмерии, косметики, аксессуаров и даже запуском линий прет-а- порте.
История про туфли, которая изменила мое отношение к жизни
Прабабушка осталась вдовой в 27 лет. И две девочки на руках. А крошечный мальчик умер. Денег очень мало, жить тяжело…
Жалованье маленькое, надо быть очень, очень бережливой. Экономить и разумно расходовать деньги на ведение хозяйства. Она так и делала. Так и жила.
А потом увидела в магазине эти туфли. Роскошные, модные, лакированные, на каблучке-«рюмочке». И купила. Они как раз по ноге пришлись, как влитые. И дома завела патефон и станцевала немножко: она ведь два года не танцевала. И два года вела бережливую жизнь, рассчитывая каждую копейку, хотя жить не очень-то и хотелось. Она тосковала по мужу и по мальчику. Туфли были очень дорогими, ей пришлось потратить все деньги. И она с ужасом думала, как будет жить с детьми и что будет завтра.
А ничего плохого не случилось. Заняла денег, потихоньку отдала, наливала себе поменьше супу и мясо отдавала дочкам. А сама хлеб ела и кипяток пила — это пустяки, потому что были туфли. С бантами!
Она в этих туфлях пошла на вечеринку к знакомым, там в нее влюбился директор завода пивного, сделал предложение, и через год она вышла замуж. И довольно счастливо жила. И девочки были одеты и сыты, и обе получили высшее образование.
Хотя война была и всякие ужасы, но туфли, воспоминание о туфлях — они износились, конечно, — очень поддерживало! Это было самое радостное воспоминание! И в 90 лет прабабушка вспоминала покупку этих восхитительных туфель и, улыбаясь, рассказывала в деталях и в лицах тот волнующий момент… Она редко улыбалась: жизнь была суровая.
И вот что я думаю: купите себе то, что душа просит. Даже если денег очень мало. Займите немножко, перекрутитесь, отложите покупку обоев или садового инвентаря. Или унитаза. Или еще чего-то важного. Некоторые покупки могут спасти жизнь и изменить судьбу, хотя без них вполне можно обойтись — без туфель с бантами. А вы все равно купите. И что-то хорошее произойдет. И жить захочется. И танцевать под патефон. И познакомитесь с кем-нибудь интересным. А потом правнучке расскажете про туфли. В 90 лет. Улыбаясь…
Юбер де Живанши
С момента основания своего Дома в 1952 году, кутюрье верно служил классике. Но не в омертвелой догме. Классика в интерпретации Живанши была современна и притягательна неуловимым шармом. Изящные платья и юбки-тюльпанчики, тактичный декор из стразов, пайеток, вышивки, маленькие детали, прелестные воротнички, слегка отстающие от шеи, создают обворожительный образ леди. По нему можно безошибочно определить авторство. Восхитительные и роскошные, манящие и искушающие, но всегда аристократичные – такими представали знаменитые клиентки в одежде от Живанши.
Его модели всегда были восхищением личностью женщины, которую он одевал, особой элегантностью и обаянием, говорящими о благородстве души, глубине чувств. Олицетворением такой гармоничности была для модельера Одри Хепберн, муза, освятившая все его творчество. « В каждой коллекции ее сердце , все от эскиза до модели связано с Одри, - сказал он журналистам перед тем, как покинуть свой Дом .- Хепберн и понятие «шик» неразделимы». Их дружба началась с костюмов для героини Одри в фильме « Сабина». Платья для Хепберн в знаменитом фильме « Завтрак у Тиффани», тоже созданные Живанши, заметно повлияли на моду 60-х гг.
Творческая позиция мастера сформировалась не на пустом месте. Его дед руководил производством декоративных тканей, коллекционировал старинные костюмы, флаги и мебель, был учеником знаменитого живописца Камиля Коро. Юбера, потерявшего в раннем детстве отца, воспитывала мать, элегантность которой, всегда восхищала сына. Ее сестры шили для местного магазина мод. Юбер также увлекался шитьем, но в высокородной семье ему прочили карьеру архитектора или юриста. Это считалось надежным, стабильным. Но в 17 лет Живанши уехал из родного Бове в Париж изучать изящные искусства.
Страстно увлеченный искусством , влюбленный в живопись эпохи Ренессанса, он попал в среду единомышленников и, естественно, во влекущий его мир парижской моды. У знаменитого портного Жака Фата Живанши рисовал акварелью модели, затем шел в музеи, где изучал детали костюмов на полотнах великих мастеров. После Фата он работал в Домах Роббера Пиге, Кристиана Диора и четыре года заведовал бутиком Эльзы Скиапарелли. Он проектировал для нее детали одежды и мечтал о собственной коллекции. Сотрудничество со Скиапарелли было прекрасной школой. Дерзкие предложения эксцентричной дамы, ее новшества, в которых угадывались эхо сюрреализма, голос ее друга Сальвадора Дали, выглядели необычно, интересно и шокирующее. Он учился владению материалом, гибкости линий, чистоте формы и поиску образа.
На таком солидном фундаменте, приобретя ценнейшие знания и опыт, Живанши открыл в 1952 году собственный Дом на улице Альфреда де Виньи, где мастер показал свою первую коллекцию от- кутюр. Специалистов и коллег она поразила. На следующий год в Риме, Цюрихе и Буэнос –Айресе уже появились первые бутики «Givenchy». Еще через год Живанши познакомился с Баленсиагой , который оставался его другом и советчиком всю жизнь. « Это был настоящий портной, ремесленник, виртуоз, умеющий строить линию. У Баленсиаги он понял , что такое подлинное искусство конструкции», - говорил маэстро.
В
В 1995 году парижские модельеры собрались в Доме Живанши, чтобы приветствовать и поддержать последнее изысканное классическое дефиле от- кутюр основателя знаменитой марки. Прославленный кутюрье объявил о своей отставке и сказал, что посвятил коллекцию персоналу, разделившему его любовь к прекрасному и жизненное кредо,
состоявшее в защите платоновской триады – красоты, добра и гармонии в искусстве. Но именно эта позиция пэра высокой моды Франции, удостоенного «Золотого наперстка», не устраивала компанию LYMN, владеющую его Домом. В эпоху торжества эклектики, в эпоху сочетания несочетаемого чистота стиля выглядела анахронизмом.
Кристобаль Баленсиага
Жизнь Кристобаля Баленсиаги – своего рода история восхождения бедного юноши к вершинам олимпа моды. Он родился в деревушке на севере Испании. Но детство и юность провел в приморском городке Сан- Себастьяне. Отец Кристобаля , капитан рыболовецкого судна, погиб, и матери тогда пришлось стать портнихой. Мальчик очень рано начал помогать ей, выказывая прекрасные способности к шитью.
Однажды 14-летний Кристобаль, увидев маркизу Касса-Торрес, выходящую из церкви после мессы, сказал, что , будь у него такая же ткань, как та, из которой сделан ее элегантный костюм, он сшил бы не хуже. Самоуверенный мальчик позабавил маркизу. Ему предоставили нужный материал – и результат превзошел все ожидания.
Маркиза Касса- Торрес, желая помочь молодому дарованию, устроила Кристобаля в модный магазин «Louvre», где он получил необходимые знания по конструированию и моделированию одежды. Баленсиага прошел обучение у Коко Шанель и в 1919 году открыл свой первый Дом в Сан – Себастьяне. ( второй откроется в 1933 году в Мадриде, третий – в 1935 году в Барселоне). Он торговал копиями парижских моделей из тканей закупленных в Париже, а главной задачей тогда было адаптировать французскую моду к особенностям сложения испанских женщин.
Баленсиага работал с утра до ночи, изучая пропорции и гармоничные соотношения в архитектуре, чтобы затем перенести эти закономерности в технологию создания модной одежды. В Испании он был единственным модельером, который умел одевать толстых и худых, высоких и маленьких. Он знал о женщинах намного больше, чем все кутюрье того времени. Принципы от- кутюр, заложенные Баленсиагой , не потеряли своего значения и сегодня. Он считал моделирование одежды не просто искусством, а синтетическим жанром. « Кутюрье должен быть архитектором кроя, художником цвета, скульптором формы, музыкантом гармонии и философом стиля»,- говорил мастер.
Начавшаяся в 1936 году Гражданская война остановила деятельность Баленсиаги в Испании, и в 1937 году он переезжает в Париж, где, имея ограниченный капитал, все же открывает бутик в шикарном квартале больших Домов моды.
Коллекцию « Инфанты» в 1939 году ожидал триумф. Его клиентками стали Барбара Хьютон, Глория Гиннес, Полин де Ротшильд, принцесса Виндзорская, звезды кино Марлен Дитрих и Ингрид Бергман.
В оккупированном немцами Париже Баленсиага работал , как и прежде. Мало того, он смог всего через несколько месяцев после закрытия вновь наладить дело в Испании и продолжал торговать всю войну. Рассказывали, что женщины из самых разных стран переходили линию фронта, чтобы купить его платья , которые оказывались изумительным контрабандным товаром.
Баленсиага , придумал блузки без воротников, а также воротники, зрительно удлиняющие шею, платье- баллон, платье- тунику, платье- мешок, платье- рубашку. С годами его техника становилась все точнее , а модели все проще. Он был подлинным новатором, что признавал среди прочих « революционер от моды» Кристиан Диор. В 1945 году Баленсиага показал платье, которое послужило предвестником диоровского стиля нью-лук.
Упорство и страсть в достижении совершенства, нежелание заниматься саморекламой , растрачивать время на светскую болтовню – таков был Баленсиага. Он был очень разборчив и ненавидел дешевку в любой форме, называя ее словом « курси», что означает «грубо», «вульгарно». Баленсиага считал, что «ни один модельер не в состоянии сделать неэлегантную женщину элегантной», и не одобрял тех клиенток, которые заказывали не подходящие для них платья или больше туалетов, чем нужно.
При всей своей суровости характера Баленсиага помогал начинающим кутюрье и советом и опытом. У него проходили стажировку такие ныне известные модельеры, как Андре Курреж, Эммануэль Унгаро. Его признает своим учителем и кумиром Юбер де Живанши, который открыл салон напротив Дома Баленсиаги. Эти два мастера оставались друзьями до самой смерти.
В 1968 году Францию потрясли события « мягкой революции». Это был год когда Кристобаль Баленсиага показал последнюю коллекцию. Баленсиага закрыл свой дом в Париже и уехал в Испанию.
Кристиан Диор
Кристиан Диор родился в семье солидного буржуа, владельца фабрики удобрений в Гранвиле, городе на северо-западе Франции. Он рано начал интересоваться модой, но мечтал стать художником. Отец, мечтавший видеть сына дипломатом, все-таки потакал его увлечениям – финансировал маленькую картинную галерею в Париже, куда Кристиан отправился получать образование бакалавра в школу политических наук.
Это были времена русских балетов, выставок абстрактного искусства. Жизнь парижской богемы по сути и послужила настоящей « школой» для Диора.
В 1931г. отец разорился. Молодому человеку пришлось самому зарабатывать на жизнь. Несколько лет он был внештатным иллюстратором в модных журналах, пока не получил постоянное место в журнале мод у Роббера Пиге, который был членом Профсоюза высокой моды. Диор всю жизнь оставался благодарен ему за обучение «искусству отказа от ненужных деталей».
В 1939г. началась война, Диора призвали в армию, но через год демобилизовали по состоянию здоровья. Он поехал к отцу и сестре, жившим на юге Франции, и занялся фермерством.
Но вскоре, в 1941г., Диор вернулся в Париж и поступил дизайнером к Люсьену Лелонгу. За несколько лет он привнес очень много нового в стилистику Дома. Диору уже было под сорок, когда он, оглядевшись, понял, что его друзья давно добились успеха в жизни.
Собрав силу и мужество, он начинает работать самостоятельно. Его творчеством заинтересовался богатейший текстильный магнат Марсель Буссак. Особенно импонировало ему то, что на одежду будет требоваться огромное количество ткани. Лелонг всячески содействовал этому предприятию. Собственно, он -то и уговорил болезненно застенчивого Кристиана воспользоваться финансовой поддержкой Буссака.
12 февраля 1947 г. Дом Диора представил новую коллекцию. Она произвела сенсацию практически во всем мире. Кэрмел Сноу, американская журналистка, пишущая о моде, дала коллекции наименование «нью-лук» ( новое направление). Секрет успеха заключался в совершенно новом образе женщины, в корне отличном от моды 40-х годов. Женщины, уставшие от тяжелых времен войны, вновь желали быть женственными, изящными, тем «слабым полом», которому нужно помогать садиться в такси и надевать пальто, не забывая потакать его прихотям. Кристиан Диор предложил модель с покатыми плечами, осиной талией и широкими юбками, на которые уходило по 40 м. ткани.
За короткий срок Диору удалось получить моральную и финансовую поддержку влиятельных лиц, отобрать и обучить манекенщиц, обновить интерьер Дома на улице Монтель. Он придумал очень необычную манеру показа: манекенщицы демонстрировали туалеты очень театрально и в быстром темпе.
В течении нескольких сезонов Диор совершил больше сделок, чем все остальные дома. У него появилось 25 ателье, где работали 1600 человек, филиалы в Нью-Йорке и других крупных городах мира. Как только дела пошли в гору, он обеспечил служащих комфортом, питанием, социальным страхованием. Внешне мягкий, даже робкий , Кристиан Диор обладал незаурядными деловыми качествами, прекрасно знал рынок, понимал ценность рекламы.
Однако носить костюмы от Диора оказалось не так просто. Обычное платье вместе с нижними юбками весило около 4 кг., а некоторые вечерние туалеты – 30 кг.! Их не удавалось одеть без посторонней помощи, в них нельзя было танцевать.
Коллеги далеко не всегда были в восторге от диоровских творений. Баленсиага считал работу Кристиан Диора с тканями ужасной. Суровее всех была Шанель: «Диор? Он не одевает женщин, он их набивает». Тем не менее при показе каждой коллекции к нему сбегался весь Париж.
Диор прекрасно понимал для кого работает: «Женщина становится самой привлекательной к 35 годам, когда проходит ее первая молодость, расцветает ее ум и она нуждается в шике».
С появлением стиля нью-лук Париж снова признали столицей моды. Диор был полон творческих идей. Он чувствовал, как женщины хотят выглядеть, и предлагал желанный им образ в тот самый момент, когда они готовы были его принять.
Диор никогда не страдал мелким самолюбием, свойственный даже большим знаменитостям. Он восхищался Шанель. Но и у него была маленькая слабость. Диор был суеверен и не предпринимал никаких серьезных шагов , не посоветовавшись с личной предсказательницей – мадам Делахайе. Именно за ней оставалось последнее слово в решении согласиться на предложение Буссака и открыть собственный Дом.
Диор был не только великим кутюрье, но и прекрасным бизнесменом. В 1949г. Кристиан Диор изобрел лицензирование. Он стал продавать право ставить свой фирменный знак, владельцы лицензии должны были либо работать в стиле мастера, либо просто копировать его модели.
Как и все крупные кутюрье, Диор наряду с одеждой продавал аксессуары и парфюмерию. Его первыми духами в 1947 г. стали «Miss Dior», а затем к ним прибавились « Diorama» в 1949г. и « Diorisimo» в 1956г.
Помимо всего , Диор создавал специальные коллекции для зарубежных филиалов. Таким образом ему приходилось разрабатывать до 1000 моделей в год. Его нервная система постоянно была перенапряжена. Вдобавок он хотел пройти еще и специальный курс похудения. Он уехал на курорт в Италию и там, в ночь на 24 октября 1957г. его сердце не выдержало. Мир моды был потрясен.
Во главе фирмы поставили племянника Диора. Звали его Марк Боан, который на протяжении нескольких десятилетий достойно продолжал традиции Дома.
Сегодня фирму Диора возглавляет Джон Гальяно – очень талантливый английский авангардист, но его работы имеют весьма мало общего с традициями и стилем Дома Диора.
Джанни Версаче
Джанни Версаче родился в 1946 году на юге Италии в дружной семье, которая поддерживала его всю жизнь. Мать была портнихой, и Джанни с детства начал шить. Несмотря на желание родителей видеть сына архитектором, в 1972 году он уехал в Милан, где занялся шитьем. Его заметили, и в 1975 г. Появляется первая коллекция Версаче для компании «Complice». В марте 1978г. Версаче представил первую авторскую коллекцию женской одежды, а на следующий год запустил и мужскую линию. В том же знаменательном для дизайнера 1978г. к нему присоединился старший брат Санто ( как управляющий финансовой стороной дела), а в 1981г.- младшая сестра Донателла( она отвечала за связи с общественностью, проведение рекламных компаний и имидж марки).
Версаче прекрасно умел улавливать настроение времени – его роскошный стиль как нельзя лучше подошел звездным 80-м гг. Мастер провоцировал публику, у него все было «слишком» - платья слишком обтягивающие, слишком смелые или слишком яркие. Он предлагал одежду, подчеркивающую естественные формы красивого тела. Несмотря на то что и другие модельеры использовали приталенный силуэт или большие декольте, только коллекции Версаче излучали такую откровенную сексуальность и радость.
В 1982г. дизайнер впервые показал вечерние платья из тонкой , мягкой и подвижной алюминиевой сетки, которая сверкала и обволакивала тело подобно чешуе. ( Версаче много экспериментировал, пробовал применять лазеры для сварки швов и компьютеры для создания рисунков на тканях.)
Его кумиром в моде был Баленсиага, и, наверное, поэтому костюмы Версаче отличаются чистотой линий, четкостью силуэта и яркостью замысла, которому подчинено все – крой, выбор ткани, фурнитуры, аксессуаров. Версаче превратил вульгарность ( слишком много золота, бриллиантов, открытого тела, нескрываемой женственности или мужественности) в роскошь в современном понимании этого слова.
Искусство Версаче мир оценил почти сразу. В 1986 году президент Италии даровал ему титул коммандеторе. В том же году он получил Золотую медаль города Парижа из рук Жана Ширака, а в 1993г. – премию Неймана Маркуса – своего рода «Оскара» в области моды – от Союза американских дизайнеров.
К 1994 году годовой оборот семейной фирмы составил 321 млн. долларов. Помимо одежды она стала выпускать платки, галстуки, духи, чемоданы и сумки, постельное белье, скатерти, фарфор и стекло.
Главной страстью Версаче были античность и итальянский Ренессанс. Причем его вдохновляло не только искусство, но и герои того времени. Версаче, как и Лоренцо Медичи, оказывал покровительство художникам. Он финансировал выставки современной фотографии (Брюса Вербера, Ричарда Аведона) и знаменитую выставку «От-кутюр» в Метрополитен-музее (1995-1996гг). Даже фирменный знак Дома – голова Медузы в круге – родом из античного мира.
Версаче делал модели для неординарных людей. В этих платьях и костюмах невозможно остаться незамеченным, вот почему работу итальянского модельера так ценили звезды, которые часто были не просто его клиентами, но и друзьями. Среди них Джон Бон Джови, Стинг, Тина Тернер, Мадонна, Принц, Элтон Джон.
Роскошь его моделей действовала совершенно магнетически на нуворишей не только в России ( у нас одежда от Версаче одно время являлась символом богатства и положения в обществе ), но и во всем мире. Узнаваемый рисунок – голова Медузы- говорил или о принадлежности к звездам рок-н-ролла, или о больших капиталах и амбициях владельца.
В 1997 году Джанни Версаче был застрелен. После этого творческую часть производства коллекций под маркой «Versace» взяла на себя его сестра и муза Донателла.
Стиль Дома Версаче представляет собой уникальную смесь античности ( как римской пышности, так и греческой утонченности) и искусства поп- арта ( с его эпатажем, игрой на стереотипах и превращением высокого искусства в веселое развлечение).
Ирина Крутикова
Ирина Владимировна Крутикова родилась
Москве в 1937 году.Еще в детстве Ира могла
часами стоять возле ткацких станков (родители были текстильщиками), наблюдая как все здесь безупречно взаимосвязано.
В 1954 году после школы Ирина поступила в Московский текстильный институт на факультет прикладного искусства и начала заниматься моделированием одежды.
А уже в 1957 году она была направлена в Берлинский институт изобразительного искусства по специальности дизайнер. Профессия дизайнер, одна из самых престижных профессий на сегодняшний день, тогда только появилась в Европе.
Ирина достигнет потрясающих высот мастерства, именно в искусстве создания формы, будь то головной убор, обувь или платье.
И сегодня можно позавидовать такой школе, где студенты не только придумывали, конструировали, выполняли свои модели, но и сами продавали свои творения в крупном универмаге. «Дизайнер должен умет все, начиная с того, что бы поточить ножницы, заканчивая тем, чтобы самому сшить смокинг»,- основной принцип берлинской школы, определивший все дальнейшее творчество Крутиковой.
Ирина не просто придумывает новое, но, владея многими технологиями (обувщиков, шляпников, художников по тканям), знает как это сделать. Форма – пропорции тела, размеры, особенности осанки – закладывается в конструкцию. « Функциональность и эргономику вещи всегда держу в голове. В моделировании не может быть искусства для искусства, нельзя же ездить на плохо сделанной машине», - считает Ирина. Создавая модели на заказ, модельер всегда учитывает и желание клиента – хочет он выделяться в толпе или же оставаться незамеченным. Исходя из всего этого и создается модель – яркая, экстравагантная, подчеркивающая сильную личность , либо, напротив, классическая, спокойная, позволяющая быть «вне моды». В числе любимых клиентов Ирины, например балерина Илзе Лиепа.
В 1967 году на проходившем в Москве Международном фестивале моды, она показала такое, чего еще никогда не было. Возникла идея частью коллекции сделать семь моделей из меха – юбки, пальто, костюмы. Изучив технологические возможности производства, на Кировской фабрике по производству дубленок, Ирина осуществила задуманное. Она получила диплом и золотую медаль фестиваля. Французский модельер Луи Ферро, увидев меховую коллекцию Крутиковой, был так потрясен, что совершил невероятный для мира моды поступок. Поскольку в те годы Ирина не могла представлять свою коллекцию за рубежом, он в 1968 году включил их в собственную коллекцию и показал миру. И с тех пор Ирина Крутикова получила признание и награждена бесчисленными золотыми и серебряными медалями как на родине, так и во всем мире.
Ирина изобрела технологию обработки овчины под атлас – самый простой на вид мех превращается в произведение искусства. Любимый мех модельера – мех белки. В 1992 году Ирина представила знаменитую коллекцию « Птицы». Этими моделями, напоминающими неких фантастических птиц, можно наслаждаться как живописью. За коллекцию « Птицы» Ирина Крутикова удостоена звания лауреат Государственной премии России.
Ирина нашла способ выделывать белку под велюр, красить, резать и собирать таким образом, чтобы создавался эффект перехода одного цвета в другой.
В суете повседневности мы иногда полагаем, что высокое чистое искусство редко соединяются. Но творчество Ирины доказывает обратное: талант способен внести гармонию во все, к чему прикасается.
Гений - это тот, кто незаметно, исподволь, день за днем меняет к лучшему наше бытие, нашу самую простую жизнь. Несколько десятилетий назад никто в моде не относился к меху подобным образом. И в том, что мир стал другим, есть заслуга Ирины Крутиковой.
Эмилио Пуччи
Эмилио Пуччи ди Барсенто (Emilio Pucci di Barsento) родился 20 ноября 1914 года в Неаполе. Он родился в год, когда весь мир был встревожен Первой мировой войной. Маленький Эмилио был чрезвычайно способным в учении и уже с ранних лет тянулся к знаниям. Образование он получил в Италии и в США. Предки Эмилио Пуччи были не только знатного происхождения, они в течение нескольких столетий были правителями города Флоренции.
Эмилио Пуччи стал одним из символов итальянской моды в 50-е годы. Он сделал своё имя, начав со спортивной одежды. Когда ещё учился в США, Эмилио создал форму для лыжной команды колледжа. Эта форма стала выпускаться американской фирмой «Белый олень».
А сам Эмилио Пуччи был не просто увлечён горно-лыжным спортом, он был в Олимпийской сборной Италии. Пуччи занимался спортом в традиционных бриджах, доходивших до колен, но всё время ощущал, насколько это неудобно, и решил сам сделать себе лыжную форму. Спроектировав свой костюм, он пошил его у профессиональной портнихи. Прогулки на лыжах тогда были не только профессиональным спортом, но и частью жизни любого светского человека. Как–то раз он катался со своими братьями на склонах Санкт-Морица в лыжном костюме своего собственного дизайна, и его заметил фотограф журнала "Harper's Bazaar", который попросил разрешения снять его
Его необычный для того времени лыжный костюм заставил обратить внимание редактора журнала "Harpers' Bazaar "Дианы Вриланд. Она была просто поражена, когда узнала, что Эмилио Пуччи сам создал этот костюм. Можно сказать с этого случайного эпизода началась его карьера в модном бизнесе. Ему предложили придумать другие модели лыжных костюмов. Вскоре последовало длительное сотрудничество Пуччи с универмагом «Лорд и Тейлор», который приобрёл одежду Пуччи.
Эмилио понравилась новая деятельность, и он решил организовать своё ателье. Но где же, как не в семейном средневековом дворце, построенном ещё в XV веке. Однако дворянская гордость семьи не позволяла ему подписывать свои работы, поэтому вся одежда, созданная Эмилио, подписывалась просто – "Эмилио".
А уже в 1949 г. на острове Капри, открыв свой первый бутик, он решился ещё на одно новое преобразование – появились знаменитые брюки "капри". Они и теперь всеми любимые, и найдутся в гардеробе каждой девушки. Затем бутики появились и в Риме, и в Монтекатини.
В 1950 г. кутюрная коллекция Пуччи привлекла к себе внимание публики интересным и необычным принтом для того времени. Знаменитая набивка, флорентийские узоры, великолепные цветовые гаммы – всё это способствовало успеху. А кроме того, технологии изготовления материалов совершенствовались, и Пуччи одним из первых применил эластичный материал – стрейч и начал пошив платьев из легкого шёлкового трикотажа.
В 50-е годы были в моде чёткие и строгие формы. Но Пуччи нарушил эти традиции и стал делать платья из трикотажного шёлка, которые не имели чёткой формы силуэта, зато они были необычайно лёгкие (около 100г), не мнущиеся и свободно помещающиеся в чемоданы по несколько штук сразу. Это было весьма удобно для путешествующих дам. Излюбленным цветом Пуччи был цвет фуксии. Этот оттенок он использовал в сочетании с другими психоделическими цветами, такими, как пламенно-оранжевый или зелёного лайма. Его изделия передавали ощущение движения и энергии. Эмилио Пуччи будто играл принтами и цветовой палитрой, совмещая реальность с фантастикой. Его яркие цвета, причудливые принты, которые явились воображением фантазии дизайнера, дерзкий стиль – всё это привлекло внимание к бренду. Пятна, обведенные цветным контуром, напоминающие острова, затерявшиеся в море, впервые появились в 1950 году. Яркие принты изделий марки Emilio Pucci стали символом бренда.Изобретением тех лет стали и широкие женские брюки – «палаццо». В 1956 году фирма Emilio Pucci была зарегистрирована официально.
Сейчас в компании несколько линий, в число которых входят и вечерние наряды, и одежда прет-а-порте, а также купальники, обувь и аксессуары.Разнообразна и стоимость изделий – есть изделия с ценами, доступными многим модницам, а есть изделия с более высокими ценами. Но на всех из них отличительный символ бренда – яркий роскошный принт.
Изделия Эмилио Пуччи очень популярны, они способны украсить каждую женщину, придать образу неповторимость, женственность. В них каждая женщина чувствует себя элегантно одетой. И всё это в сочетании с прекрасным кроем. А кроме того, все наряды от Emilio Pucci потрясающе комфортны. Наверное поэтому астронавты, побывавшие на Луне, были одеты в костюмы Пуччи. Ведь эту одежду для них разрабатывал сам Эмилио Пуччи.
Также Эмилио Пуччи, создал в 60-х годах форму для стюардесс, придумывал дизайн для фарфоровых ваз и постельного белья, занимался дизайном интерьеров, создавал иллюстрации для модных журналов.
Он достиг вершины славы!
Эйми Маллинз
К своим 37 годам Эйми Маллинз успела многое – она сделала карьеру модели, активно снимается в кино, установила два мировых рекорда по бегу и прыжкам в длину и завоевала почетное место в списке 50-ти самых красивых людей планеты по версии «People». Все это казалось бы вполне естественным для целеустремленной активной молодой женщины, если бы не тот факт, что у Эйми… нет ног
Эйми родилась с патологией малых берцовых костей и в 6 месяцев ей ампутировали. Врачи вынесли вердикт: ребенок никогда не сможет ходить, но они не знали Эйми. Вскоре девочка пошла, а потом побежала и начала прыгать в длину. И все это на специально сконструированных протезах.
Но это еще не все. В 1999 году Эйми приняла участие в показе самого Александра Маккуина. Новоиспеченная модель стала звездой дефиле, а глянцевые журналы – Vogue, Elle, Harper’s Bazaar, Marie Claire – устроили за ней охоту, лишь бы заполучить удивительную девушку в свои фотосессии.
В арсенале Эйми 12 пар протезов, каждую из которых создана по дизайну самой мисс Маллинз. Например, так называемые «ноги гепарда» из углеродного волокна девушка использует для бега, а на силиконовых ножках посещает светские мероприятия. Эти чудо-ножки очень сложно отличить от настоящих – на них прорисованы вены, прожилки и даже волосяные фолликулы. Кроме этого в коллекции Эйми протезы из ясеня ручной работы (созданы специально для шоу Alexander Mcqueen), прозрачные, напоминающие стекло ножки из полиуретана, протезы из корневой системы свеклы и картофеля. С помощью своих ножек Эйми может регулировать свой рост от 173 до 185 см
Сегодня Эйми Маллинз — один из самых востребованных ораторов в Америке, она вдохновляет людей своими выступлениями. Продолжает выступать как модель: в 2011 она стала лицом L’Oreal. Поддерживает несколько некоммерческих организаций, например, фонд, занимающийся трудоустройством инвалидов, и фонд, помогающий реализоваться спортсменкам — как абсолютно здоровым, так и с физическими ограничениями…
На мой взгляд, заслуга Эйми не только в том, что она смогла найти в себе силы вести счастливую и активную, как говорят «полноценную», жизнь, но и в том, что она разрушила стереотипы о так называемых «людях с ограниченными возможностями». Немощные, беспомощные, несчастные люди, на которых больно смотреть – такие в нашем представлении люди с физическими недостатками. А тут перед нами цветущая, счастливая, успешная молодая женщина. Совсем другая картина!
Невзирая на самые бедственные обстоятельства, Эйми предпочла оставаться красивой и здоровой. Она выбрала путь архитектора собственной жизни!
История Эйми, еще раз показывает, что мы сами выбираем то, что транслировать в пространство - радость,успех, позитив или уныние и безысходность.
А что выбираете Вы?
Автор блога "Как стать звездой!"
Соколова Людмила